RAPHAËL (1483-1520) UN ENFANT DE LA RENAISSANCE

 

RAPHAËL (1483-1520) 

UN ENFANT DE LA RENAISSANCE

La Renaissance italienne était un mouvement culturel et artistique qui s'est développé en Italie aux XIVe, XVe et XVIe siècles. Elle a marqué une période de renouveau et de redécouverte des arts, de la philosophie, de la science et de la littérature. La Renaissance italienne a eu une influence majeure sur le développement ultérieur de l'Europe occidentale.

La Renaissance italienne a été caractérisée par une réintroduction des idées et des valeurs de l'Antiquité gréco-romaine. Les artistes et les intellectuels ont étudié les œuvres classiques et se sont inspirés des styles et des techniques des anciens maîtres. Ils ont cherché à rétablir les idéaux de l'harmonie, de la beauté et de la perfection qui étaient considérés comme caractéristiques de l'art et de la culture de l'Antiquité.

Un des aspects les plus importants de la Renaissance italienne était le développement de la perspective en peinture. Des artistes tels que Giotto, Masaccio, Botticelli, Léonard de Vinci, Raphaël et Michel-Ange ont exploré les techniques de représentation en trois dimensions, créant des œuvres qui semblaient plus réalistes et qui donnaient l'illusion de la profondeur.

La Renaissance italienne a également vu un grand progrès dans les domaines de la science et de la philosophie. Des penseurs tels que Niccolò Machiavelli, qui a écrit "Le Prince", et Galilée, qui a formulé la théorie héliocentrique de l'univers, ont contribué à une nouvelle compréhension du monde et à une remise en question des idées médiévales.

Florence, en Italie, était l'un des centres les plus importants de la Renaissance italienne. Sous le patronage de familles riches et puissantes comme les Médicis, la ville est devenue un foyer de créativité artistique et intellectuelle. Les artistes et les érudits se sont rassemblés dans des ateliers et des académies pour échanger des idées et collaborer à des projets artistiques.

Au-delà de Florence, la Renaissance italienne s'est propagée dans d'autres villes italiennes telles que Rome, Venise et Milan. Des cours royales et des mécènes ont soutenu les artistes et les penseurs, favorisant ainsi la diffusion des idées et des réalisations de la Renaissance à travers l'Europe.

La Renaissance italienne a eu une influence durable sur l'art, la culture et la pensée occidentaux. Elle a préparé le terrain pour les développements ultérieurs de l'art, de la science et de la philosophie, et a jeté les bases de la période de l'histoire connue sous le nom de « Grandes Découvertes » et de la Révolution scientifique.

L'ART ITALIEN, L'ART PRÉFÉRÉ DES FRANÇAIS

François Ier, roi de France de 1515 à 1547, a joué un rôle essentiel dans l'introduction et la promotion de l'art italien en France pendant la Renaissance. Il était fasciné par la culture italienne et était un grand mécène des arts.

Dès le début de son règne, François Ier a invité de nombreux artistes italiens à la cour française. Parmi eux, on compte des peintres tels que Léonard de Vinci, Andrea del Sarto, Rosso Fiorentino et Le Primatice. Ces artistes ont apporté avec eux les techniques et les idées artistiques de la Renaissance italienne, notamment en ce qui concerne la perspective, la représentation de la figure humaine et l'utilisation de la couleur.

Le roi François Ier a également commandé de nombreux travaux artistiques, y compris des fresques, des sculptures et des décors architecturaux, dans le style italien. Il a fait construire le château de Chambord, qui présente des éléments de l'architecture de la Renaissance italienne, et a rénové le château de Fontainebleau, en y introduisant des motifs italiens.

L'un des projets les plus emblématiques soutenus par François Ier est la construction du palais du Louvre à Paris, qui était à l'origine une forteresse médiévale. Il a engagé des architectes italiens, dont Pierre Lescot et Philibert Delorme, pour transformer le Louvre en un palais de style Renaissance. Cela a marqué le début de la transformation du Louvre en l'un des plus grands musées d'art au monde.

François Ier a également constitué une impressionnante collection d'œuvres d'art italiennes, acquérant des peintures, des sculptures et des objets d'art de maîtres italiens. Il a enrichi les collections royales françaises avec des œuvres de Raphaël, Titien, Michel-Ange et d'autres artistes italiens renommés.

La promotion de l'art italien par François Ier a eu un impact durable sur la scène artistique en France. Son patronage a contribué à l'émergence de la Renaissance française, également connue sous le nom de Première Renaissance, qui a fusionné les influences italiennes avec les traditions artistiques françaises existantes.

Ainsi, François Ier a été un véritable ambassadeur de l'art italien en France, contribuant à l'introduction de la Renaissance italienne dans le royaume et la diffusion de ses idées artistiques et esthétiques. Son soutien aux artistes italiens et son engagement en faveur de l'art ont laissé un héritage durable dans l'histoire de l'art en France.

LES GUERRES D'ITALIE ENTRE LA FRANCE ET LE SAINT EMPIRE ROMAIN GERMANIQUE

Charles Quint et François Ier ont été des figures majeures de l'histoire européenne pendant la Renaissance, et leur rivalité en Italie a marqué une période de tensions politiques et militaires entre la France et l'Empire espagnol.

La rivalité entre Charles Quint, empereur du Saint-Empire romain germanique et roi d'Espagne, et François Ier, roi de France, a atteint son apogée pendant les guerres d'Italie, qui ont eu lieu de manière intermittente entre les années 1494 et 1559. L'Italie était une région stratégiquement importante en raison de sa richesse culturelle, économique et politique, et les deux souverains cherchaient à étendre leur influence sur la péninsule italienne.

Lors de la première phase des guerres d'Italie, François Ier a lancé une série de campagnes militaires en Italie, espérant étendre les possessions françaises et affirmer son pouvoir dans la région. Il a remporté une victoire notable à la bataille de Marignan en 1515, où les troupes françaises ont défait les forces suisses et milanaises soutenues par Charles Quint.

Cependant, Charles Quint ne tarda pas à contre-attaquer. En 1527, ses troupes impériales, composées principalement de mercenaires allemands, envahirent Rome lors du sac de Rome. Cette attaque dramatique, bien que menée sans son consentement direct, fut un coup dur pour le pape Clément VII, allié de François Ier, et marqua une victoire symbolique pour Charles Quint.

Par la suite, Charles Quint et François Ier ont continué à se disputer le contrôle de l'Italie, soutenant des factions locales et formant des alliances avec d'autres puissances européennes. Les tensions se sont intensifiées lors du conflit connu sous le nom de "Guerre de la Ligue de Cognac" (1526-1530), où François Ier a formé une alliance avec les États pontificaux, l'Angleterre et d'autres puissances pour lutter contre Charles Quint.

Cependant, malgré leurs rivalités, les deux souverains ont finalement réalisé qu'ils devaient faire face à d'autres menaces émergentes en Europe, notamment la Réforme protestante et l'expansion ottomane. En 1530, Charles Quint et François Ier ont signé le traité de Barcelone, mettant fin à la plupart des hostilités entre eux et établissant une paix relative.

La rivalité entre Charles Quint et François Ier en Italie a laissé une empreinte durable sur l'histoire européenne de la Renaissance. Elle a contribué à redéfinir les alliances et les frontières politiques en Europe, mais elle a également stimulé les échanges culturels et artistiques entre la France, l'Espagne et l'Italie. Des artistes et des intellectuels ont été encouragés à voyager et à échanger des idées, contribuant ainsi à la diffusion de la Renaissance italienne dans d'autres parties de l'Europe.

 

BIOGRAPHIE DE L'ARTISTE

Raphaël, de son nom complet Raffaello Sanzio da Urbino, est en effet l'un des artistes les plus célèbres de la Renaissance italienne. Il est né le 6 avril 1483 à Urbino, une ville située dans l'actuelle région des Marches en Italie centrale.

Raphaël a été formé dans l'atelier du peintre ombrien Pietro Perugino, où il a acquis les compétences artistiques fondamentales. Son style a ensuite évolué et s'est inspiré des œuvres d'autres grands maîtres de la Renaissance, notamment Michel-Ange et Léonard de Vinci.

Il est surtout connu pour ses peintures religieuses et ses portraits, qui ont contribué à sa renommée et à son succès. Parmi ses œuvres les plus célèbres, on compte "La Madone de la chaise", "L'École d'Athènes" et "La Transfiguration". Ses peintures se distinguent par leur beauté classique, leur harmonie et leur équilibre, ainsi que par l'utilisation habile de la perspective.

Raphaël est également connu pour avoir été un artiste extrêmement prolifique et talentueux. En plus de la peinture, il a également travaillé en tant qu'architecte et a été impliqué dans la conception de plusieurs bâtiments, notamment des églises et des palais.

Malheureusement, Raphaël est décédé prématurément le 6 avril 1520, à l'âge de seulement 37 ans. Sa mort a été une perte tragique pour le monde de l'art, mais son héritage perdure à travers ses œuvres qui continuent de fasciner et d'inspirer les générations suivantes.

 

 

 

LE STYLE "RAPHAËL"

Le style des dessins de Raphaël, le célèbre peintre et architecte italien de la Renaissance, était remarquablement élégant, précis et équilibré. Ses dessins étaient considérés comme des œuvres d'art en soi et révélaient son talent exceptionnel en tant que dessinateur.

Raphaël utilisait diverses techniques de dessin, notamment le crayon, la plume et l'encre, la sanguine (un crayon de couleur rouge-brun), et parfois la craie ou la pierre noire. Ses dessins étaient souvent très détaillés, avec une grande attention portée aux contours, aux ombres et aux dégradés.

L'une des caractéristiques les plus frappantes des dessins de Raphaël était leur clarté et leur harmonie. Il utilisait la ligne avec une grande précision pour définir les contours des figures, créant ainsi une composition équilibrée et harmonieuse. Ses lignes étaient souples et fluides, donnant une impression de mouvement et de grâce.

Les dessins de Raphaël étaient également empreints d'une profonde connaissance de l'anatomie humaine. Il étudiait attentivement les proportions du corps et la structure des muscles, ce qui se reflétait dans la précision de ses représentations. Ses personnages semblaient réalistes et bien proportionnés, exprimant souvent une grande douceur et une certaine grâce.

Outre son habileté technique, Raphaël avait un sens aigu de la composition et de la mise en scène. Il savait comment organiser les éléments sur la page pour créer un effet visuel captivant. Ses dessins étaient souvent équilibrés et harmonieux, avec des figures placées de manière stratégique pour créer un sentiment d'équilibre et de symétrie.

Les thèmes abordés dans les dessins de Raphaël étaient variés, allant des études d'anatomie et de figures humaines à des compositions narratives complexes. Il représentait des scènes bibliques, des portraits, des allégories et des études architecturales avec la même maîtrise et le même souci du détail.

En résumé, le style des dessins de Raphaël se caractérisait par sa précision, son équilibre, sa clarté et son souci du détail. Son habileté technique, son sens de la composition et son exploration de l'anatomie humaine en ont fait l'un des plus grands dessinateurs de la Renaissance italienne. Ses dessins continuent d'être admirés et étudiés pour leur beauté et leur maîtrise artistique.

  

  

  UNE MUSIQUE D'UN BONHEUR CONTAGIEUX

 Ce n’est qu’au début du XXe siècle que Vivaldi est redécouvert et, à partir des années 1950, il devient l’un des compositeurs les plus populaires de la musique classique. D’une prodigieuse facilité, il se vantait de pouvoir composer un concerto en moins de temps qu’il n’en fallait à son copiste pour le transcrire. Ses œuvres, vives et enjouées, constituent une bonne introduction à la musique baroque.

Son œuvre comporte certes beaucoup de redites et de formules toutes faites, mais aussi des merveilles d’invention, de fraîcheur, de poésie et de vivacité. C’est sans doute pourquoi il occupe une telle place dans les rayons des disquaires, dans les concerts… et dans la publicité.

  

LE GLORIA DE VIVALDI MUSIQUE DU PRÊTRE ROUX

https://youtu.be/mEcSThti5hM

 Le Gloria de Vivaldi est une œuvre chorale et orchestrale, faisant partie de sa composition plus vaste connue sous le nom de "Gloria in D Major" (Gloria en ré majeur). Il s'agit d'une messe en latin composée de plusieurs mouvements, dont le Gloria constitue l'un des principaux.

Antonio Vivaldi (1678-1741) était un prêtre catholique italien, mais il est plus célèbre en tant que compositeur. Son Gloria est considéré comme l'une de ses compositions les plus connues et les plus appréciées. Il est caractérisé par sa vivacité, son énergie et ses mélodies entraînantes. La composition met en valeur les voix du chœur, ainsi que les parties instrumentales, notamment les violons, les cuivres et les cordes.

En 1709, Vivaldi n’est pas reconduit dans son poste à l’Ospedale della pieta. On peut penser que son poste avait été supprimé car il y est à nouveau nommé en 1711. En 1716, on lui donne le poste de "maestro di concerti" où il peut alors s’adonner à la composition de musique religieuse. Pratiquement toutes les œuvres de cette période sont perdues.

Ses talents de violoniste et de compositeur le font connaître dans tous les milieux de Venise, plaque tournante de la musique européenne. La popularité de Vivaldi s’est maintenant étendue au-delà de l’Italie. En 1711, il confie l’édition de ses compositions à Étienne Roger, célèbre éditeur d’Amsterdam grâce à une qualité de reproduction unique à cette époque. Son opus 3, L’Estro Armonico, recueil de douze concertos pour violon, obtient du succès dans une bonne partie de l’Europe du Nord. Une copie parviendra jusqu’à Johann Sebastian Bach qui en transcrit une partie pour claviers. En 1714, Vivaldi publie La Stravaganza, autre recueil de concertos pour violon. La popularité dont il jouissait est démontrée par le fait qu’Étienne Roger lui commandera les opus 5, 6 et 7 et les fera graver à ses frais.

À partir de 1718, Vivaldi entame une longue période de voyages pour répondre à des commandes du Nord de l’Italie. Il reste néanmoins attaché au service de l’Ospedale et y officie à chaque retour. De 1718 à 1720, il est à Mantoue. De 1723 à 1725, il est à Rome où il passe plusieurs saisons et a deux fois l’occasion de jouer devant le Pape. De 1726 à 1728, il séjourne pour la deuxième fois à Venise. Il aura là l’occasion de se consacrer au théâtre. Sa popularité est au zénith. Il dédie son opus 8 : Il cimento dell’armonia e dell’invenzione (dans lequel figurent les Quatre Saisons) au comte Morzin.

Les Quatre saisons firent un triomphe à travers l’Europe y compris à Paris en 1725. L’opus 10, La Cetra, est dédié en 1728 à l’empereur d’Autriche Charles VI. Les œuvres de Vivaldi sont toujours publiées à Amsterdam mais il estime qu’il gagnerait davantage à les vendre lui-même ce qui expliquera malheureusement la perte de nombre de partitions. En 1733, Vivaldi joue pour Charles VI à Vienne. En 1738, il joue au théâtre Schouwburg à Amsterdam. Il interprète les concertos qui ont fait son succès.

 

VOUS AVEZ BON GOÛT !​ 

Ce qui m'anime dans cette quête c'est la curiosité intellectuelle, le goût de la connaissance et l'envie de savoir. Si vous êtes comme moi, avec l'envie d'apprendre, aux rivages de la beauté musicale, picturale, poétique​.​

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(​L'Histoire de l'Art​ en Musique)

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​(Histoire Moderne en Musique)​

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